Пространство Эвклида. Петров-Водкин К.С. Мемуары. Радиоочерк, исполнитель: Евгений Баранов
Описание: Козьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939) - один из самых крупных и оригинальных русских художников первых десятилетий XX века. Многие факты жизни и, главное, интереснейшие мысли Петрова-Водкина остались бы неизвестными, не помоги своим будущим исследователям сам художник. На рубеже 1920-х и 1930-х годов Петров-Водкин написал две автобиографические повести - "Хлыновск" и "Пространство Эвклида", - где с поразительным литературным мастерством и образной остротой воспроизвел картины своего детства, юности и годов учения, изложил собственное понимание многих проблем жизни, искусства, ремесла художника. Это важнейшие источники сведений о формировании Петрова-Водкина и его взглядах.
Режиссёр (радио) — Галина Дмитренко. Звукорежиссёр — Дмитрий Апостолов.
Двухтомник К.Коровина «То было давно... там... в России...»: Воспоминания, рассказы, письма. В двух книгах (издательство Русский путь, 2010) ISBN: 978-5-85887-409-6, 978-5-85887-410-2 (кн. 1), 978-5-85887-411-9 (кн. 2)
Описание: «То было давно... там... в России...» – под таким названием издательство «Русский путь» подготовило к изданию двухтомник – ПОЛНОЕ собрание литературного наследия художника Константина Коровина (1861-1939), куда вошли публикации его рассказов в эмигрантских парижских изданиях «Россия и славянство», «Иллюстрированная Россия» и «Возрождение», мемуары «Моя жизнь» (впервые печатаются полностью, без цензурных купюр), воспоминания о Ф.И. Шаляпине «Шаляпин. Встречи и совместная жизнь», а также еще неизвестная читателям рукопись и неопубликованные письма К.А. Коровина 1915-1921 и 1935-1939 гг. Настоящее издание призвано наиболее полно познакомить читателя с литературным творчеством Константина Коровина, выдающегося мастера живописи и блестящего театрального декоратора. За годы вынужденной эмиграции (1922-1939) он написал более четырехсот рассказов. О чем бы он ни писал – о детских годах с их радостью новых открытий и горечью первых утрат, о любимых преподавателях и товарищах в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, о друзьях: Чехове, Левитане, Шаляпине, Врубеле или Серове, о работе декоратором в Частной опере Саввы Мамонтова и в Императорских театрах, о приятелях, любителях рыбной ловли и охоты, или о былой Москве и ее знаменитостях, – перед нами настоящий писатель с индивидуальной творческой манерой, окрашенной прежде всего любовью к России, ее природе и людям. У Коровина-писателя есть сходство с А.П. Чеховым, И.С. Тургеневым, И.А. Буниным, И.С. Шмелевым, Б.К. Зайцевым и другими русскими писателями, однако у него своя богатейшая творческая палитра.
В книге первой настоящего издания публикуются мемуары «Моя жизнь», а также рассказы 1929-1935 гг. В книге второй публикуются рассказы 1936-1939 гг., воспоминания «Шаляпин. Встречи и совместная жизнь», в разделе «Из неопубликованного» – рукопись «Охота... рыбная ловля... Коля Куров», на страницах которой обнаружены три неизвестные ранее карандашные зарисовки художника, – как и рукопись, они публикуются впервые. Раздел «Письма» подготовлен сотрудниками Отдела рукописей Государственной Третьяковской галереи; в него входит коллекция писем К.А. Коровина разных лет (из новых поступлений). Названием настоящего издания послужила заключительная фраза из рассказа К.А. Коровина 1936 года «В сочельник» — «То было давно... там... в России...».
Отправлено: 11.02.14 19:10. Заголовок: А кто знает, чем сла..
А кто знает, чем славна картина Петрова-Водкина "Купание красного коня"?.. Не только тем, что показанная в 1912 году на выставке «Мир искусства» была воспринята зрителями как художественное откровение, став самым знаменитым произведением К.С. Петрова-Водкина. А тем, что в ней ней соединились общечеловеческие, нравственные и художественные традиции. Символический смысл произведения – своеобразный призыв и предчувствие грядущего обновления, очищения человечества. Не больше, не меньше. Каково?!!...
Однако мало кто знает, что знаменитое полотно Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина было создано на нашей земле, а точнее на Мишкиной пристани речки Иловли, близ села Гусевка Ольховского района. В 1912 году Петров-Водкин жил на юге России, в имении близ Камышина. Именно тогда им были сделаны первые наброски для картины. А также написан первый, несохранившийся вариант полотна, известный по чёрно-белой фотографии. Первоначально картина представляла собой произведение скорее бытовое, чем символическое, как это произошло со вторым вариантом, на ней были изображены просто несколько мальчиков с конями. Первый вариант был уничтожен автором, вероятно, вскоре после его возвращения в Петербург. Скрытый текст
Коня Петров-Водкин писал с реального жеребца по имени Мальчик, обитавшего в имении. Для создания образа подростка, сидящего на нём верхом, художник использовал черты своего племянника Шуры. На большом, почти квадратном полотне, изображено озеро холодных синеватых оттенков, которое служит фоном смысловой доминанте произведения – коню и всаднику. Фигура красного жеребца занимает весь передний план картины практически полностью. Он дан так крупно, что его уши, круп и ноги ниже колен обрезаются рамой картины. Насыщенный алый цвет животного кажется ещё ярче по сравнению с прохладным цветом пейзажа и светлым телом мальчика. От передней ноги коня, вступающего в воду, разбегаются волны чуть зеленоватого, по сравнению с остальной поверхностью озера, оттенка. Всё полотно является прекрасной иллюстрацией столь излюбленной Петровым-Водкиным сферической перспективы: озеро круглое, что подчеркивается фрагментом берега в верхнем правом углу, оптическое восприятие чуть искажено. На картине изображено три коня и три мальчика – один на первом плане верхом на красном коне, два других позади него с левой и правой стороны. Один ведёт под уздцы белую лошадь, другой, видный со спины, верхом на оранжевой, уезжает в глубь картины… В середине сентября на ольховской земле отмечается 100-летний юбилей этого живописного шедевра. В связи с этим знаковым событием ольховчане разработали солидный план мероприятий по подготовке и проведению праздничных торжеств. В их числе изготовление сувенирной продукции, буклета к 100-летию известной картины, организация пленэра с участием волгоградских художников, конкурс стихов поэтов нашего региона и многое другое. Основные же праздничные мероприятия, посвященные 100-летию создания картины «Купание красного коня», прошли 15 сентября на территории пионерского лагеря, где когда-то находилось поместье казачьего генерала Петра Грекова. В программе праздника прошёл конкурс детских рисунков «Лети, мой красный конь!», фотоэкспозиция по истории села Гусевка, праздничное театрализованное представление «В полёте, неподвластном времени», фольклорный фестиваль «На Иловле-реке», в котором принимали участие творческие коллективы Иловлинского, Ольховского, Камышинского районов и города Волгограда. А вечером в тот же день на площади Гусевки будет организована большая концертная программа. Организаторы мероприятий намечают стилизовать все окружающее под старину и творческую идею известной картины. А посмотреть в тех местах действительно есть что, это живописные пейзажи ольховской земли, которые вряд ли оставят кого равнодушным. Недаром сам Кузьма Сергеевич Петров-Водкин в далеком 1912 году писал своей матери: «Попали мы, можно сказать, в рай, – так здесь хорошо! Река, лес и хорошие люди…».
Организаторы пригласили на праздник волгоградских художников и писателей, людей, неравнодушно относящихся к творчеству знаменитого живописца. Приглашение направлено также члену Совета Федерации, именитому земляку Владимиру Николаевичу Плотникову, который, кстати, инициировал этот праздник. В числе приглашенных губернатор Волгоградской области Сергей Анатольевич Боженов, депутаты законодательного собрания и еще немало хорошо известных нам персон.
– Не столь часто встречаются подобные факты, когда сокровища мирового искусства связаны с нашей землей, – говорит заместитель главы администрации Ольховского района по социальным вопросам Юрий Владимирович Кравцов. – В своё время Петров-Водкин в многочисленных письмах описывал, как создавал здесь «Казачку» и «Купание красного коня». Ольховчане гордятся тем, что мировой шедевр написан на нашей донской земле.
Об этом празднике рассказал Владимир Весов.
А я - пересказала, в связи с тем, что готовится празднование 600-летия Себежа. Возможно, что-то из опыта празднования ольховцами 100-летия картины "Купание красного коня" понравится организаторам нашего юбилея и пригодится для программы мероприятий.
Отправлено: 28.04.14 19:07. Заголовок: «Но там и я свой сле..
«Но там и я свой след оставил…»
С 26 апреля по 20 июля в Государственном музее-заповеднике А.С. Пушкина открыли выставку «Но там и я свой след оставил…» - к 60-летию известного художника, псковича Виктора Лысюка.В экспозиции представлены два жанра – портрет и пейзаж, которые дают яркое представление о творческих приоритетах художника: человек и окружающий его мир.
Виктор Владимирович Лысюк, 1954 г.р. – член Союза художников России, секретарь Правления ВТОО Союза художников России, заслуженный художник Российской Федерации, действительный член Петровской Академии наук и искусств, председатель правления Псковского регионального отделения Союза художников России; Диплом Российской Академии художеств «За лучшее произведение в жанре пейзаж-картина»; Золотая медаль Союза художников России «Традиции. Духовность. Мастерство». Работы художника находятся в государственных и частных собраниях в России и за рубежом – в Германии, Италии, США, Израиле, Китае и других странах.
Выставка, приуроченная к 60-летию Виктора Лысюка, объединила живописные работы из собрания Пушкинского Заповедника и авторской коллекции мастера. В экспозиции - произведения, тематически связанные с заповедными пушкинскими местами и псковской землей. Название выставки - «Но там и я свой след оставил…» - вступает в диалог не только с поэтом, но и с наследием целого ряда художников-паломников в пушкинский уголок, стремившихся создать и сохранить в живописи и графике образ Михайловского.
Пушкинская тема сопровождает художника на протяжении всей его творческой биографии. Студентом Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина Виктор Лысюк погружается в неисчерпаемый мир Михайловского. Далее – дипломная работа: проект росписи Научно-культурного центра в Пушкинских Горах «Крестьяне пушкинского времени на сенокосе». После окончания Академии художеств в 1986 году его направляют на работу в Псков. С этого времени пушкинские мотивы становится неотъемлемой частью творчества.
В экспозиции представлены два жанра – портрет и пейзаж, которые дают яркое представление о творческих приоритетах художника: человек и окружающий его мир. Его пейзажи не безлюдны: на полотнах зримо или косвенно присутствует человек, будь то тающая среди вековых дерев женская фигура, парковая затея или деятельно распаханные осенние поля. И человек в его произведениях неизменно находится в гармонии с природой.
Созерцательный, порой медитативный характер – отличительная черта пейзажей В. В. Лысюка. В произведениях 1990-х – 2000-х гг., с их умиротворенными красками, спокойным колоритом, бескрайним горизонтом, пространством, наполненном воздухом, «звучит эхо Пушкина – его стихов и строф деревенских глав «Евгения Онегина» (С. С. Гейченко).
Сообщение: 4691
Настроение: Какое настроение, когда война в Украине?
Зарегистрирован: 01.02.13
Отправлено: 08.08.14 05:31. Заголовок: В.Скляренко. Жизнь и..
Короткая, но такая яркая судьба гения - Фёдор Васильев прожил всего 23 года, но этого было достаточно, что взойти на самую вершину отечественной и мировой живописи...
В.Скляренко. Жизнь и творчество Федора Васильева
Талантливый русский художник-пейзажист. Создатель более сотни живописных работ и множества рисунков. Участник выставок в Петербурге (1867, 1868, 1871-1873 гг.) и Москве (1872 г.), всемирных выставок в Лондоне (1872 г.) и Вене (1873 г.). «Нет у нас пейзажиста - поэта в настоящем смысле этого слова, и если кто может и должен им быть, то это только Васильев», - говорил о художнике его современник И.Крамской. «Гениальный мальчик» - такое определение чаще других встречается в оценке творчества Федора Васильева. Подвижный, остроумный, необычайно обаятельный, он казался всем, кто видел его впервые, родившимся в сорочке. Что-то напоминающее Моцарта или молодого Пушкина было в натуре Васильева, солнечной и артистичной. И.Крамской постоянно восхищался необыкновенной талантливостью юноши, сравнивая его с «баснословным богачом, который при этом щедр сказочно и бросает свои сокровища полной горстью направо, налево, не считая и даже не ценя их». Скрытый текст
Одаренность Федора Васильева, его увлечение музыкой, интеллектуальные способности, яркость и живость характера, умение сострадать перешли к нему от отца - по-своему талантливого человека, которому волею судеб не суждено было раскрыться. Чиновник департамента сельского хозяйства Александр Васильевич Васильев, живший вне церковного брака с Ольгой Емельяновной Полынцевой, считался родственниками «человеком несостоятельным». Думается, это было не так. Проступало в этом «маленьком человеке» что-то «человечески ценное, но погубленное жизнью». Федор родился в Гатчине. На первом году жизни он переехал с родителями в Петербург. Детство его прошло на 17-й линии Васильевского острова, в одноэтажном низеньком домике, где царила беспросветная нужда. В ноябре 1852 г. отец был определен на службу в почтамт, где и прослужил 12 лет. К этому времени в семье было уже четверо детей: помимо старшей сестры Евгении и самого Федора - два младших братишки, Александр и Роман. Так как жалованья отца едва хватало для такой семьи, уже с двенадцати лет мальчик начал сам зарабатывать на жизнь - был писцом, рассыльным на почтамте, работал у реставратора картин И.К.Соколова. Через год Федор поступил в вечернюю рисовальную школу Общества поощрения художников, позволявшую совмещать занятия с заработком. Первые рисунки, исполненные в школе, были перерисовками с так называемых «оригиналов». Они выполнены тщательно, но поверхностно.
В 1865 г. в Обуховской больнице скончался отец, оставив семью в безденежье. И пятнадцатилетний мальчик фактически стал главой семьи. Ему пришлось проявить настоящую самоотверженность, чтобы в таких условиях продолжать занятия искусством. Но призвание было слишком сильным, и юный художник идет по единственно возможному для него пути. В 1866 г. судьба свела Федора Васильева с И.И.Шишкиным, тогда уже признанным мастером живописи. Иван Иванович привел юношу в Артель художников, где тот «поразил, и неприятно» И.Н.Крамского. «Его манеры были самоуверенны, бесцеремонны и почти нахальны... - так вспоминал о Васильеве человек, с которым в дальнейшем его свяжет крепкая дружба. - Замечу, что первое впечатление быстро изгладилось, так как все это было чрезвычайно наивно... и я должен сознаться, что часто он приводил меня просто в восторг и свежестью чувств, и меткостью суждений, и беспредельной откровенностью своего умственного механизма...» Одетый со щегольской элегантностью, в лимонных перчатках, с блестящим цилиндром на коротко подстриженных волосах, сыплющий остротами, умеющий, как вспоминал И.Е.Репин, «кстати вклеить французское, латинское или смешное немецкое словечко» и даже к случаю сыграть на рояле какую-нибудь вещицу, появлялся этот крепыш-весельчак на артельных четвергах и поражал всех своей щедро брызжущей талантливостью. Такую же характеристику давал молодому художнику и Крамской: «Он не принадлежал к числу тех спокойных натур, которые покорно переносят свое неважное положение; ему нужны были средства принца, чтобы он не жаловался на жизнь, но страсти его имели характер мало материальный. Это были страсти духа». Васильев, мальчик по годам, оказался человеком совершенно сложившимся, с твердыми воззрениями на жизнь и искусство. А то, что некоторые принимали за легкомыслие - любовь к обществу, нарядам, успеху, - было порождением все того же бурлящего жизнелюбия. Оказалось, что он - человек гораздо более сложный, чем представлялось на первый взгляд. Были в нем и болезненное самолюбие, и желание скрыть свою бедность, а более всего - трепетная любовь к искусству.
Простота, прямота И.И.Шишкина, его работы, близкие по настроению, притягивали Федора. Тот же, оценив способности живой, кипучей натуры гениального юноши, которому явно многого не хватало в художественном развитии, вызвался быть его наставником, и в начале июня 1867 г. взял с собой на Валаам, на этюды. Могучая красота дикой, первозданной природы захватила молодого живописца, да и работа на природе не шла ни в какое сравнение с копированием «оригиналов» в рисовальной школе. Именно здесь, на Валааме, рядом с Шишкиным нарождался тот художник, тот гениальный Васильев, в котором, по мнению И.Н.Крамского, «русская пейзажная живопись едва не получила осуществления всех своих стремлений». Здесь происходило становление его художественной зрелости, укрепление веры в свои силы и возможности. В Петербург он вернулся глубокой осенью, а зимой вместе с работами И.И.Шишкина на выставке Общества поощрения художников был показан и этюд Васильева «Валаам. Камни». Однако самой поразительной работой этого года стал этюд «После дождя», изображающий петербургскую улицу, омытую летним дождем. Молодой пейзажист не заботился о «правильном» архитектурном рисунке, зато сумел передать и характер петербургских домов, и простор улиц, и влажность воздуха над невидимой, но явно близкой Невой, и будничную жизнь города.
В 1867 г. Васильев окончил рисовальную школу, и с этого времени вся его биография была почти исключительно биографией художника. Творчество становилось не только главной, но, можно сказать, единственной целью и содержанием жизни. Как-то неожиданно, почти внезапно вошел он на равных в число ведущих художников того времени и за два-три года достиг таких успехов, на завоевание которых у других уходила иногда вся жизнь. Трудился Васильев самозабвенно, делая бесконечные этюды и зарисовки, пытливо изучая природу. В рисовании и живописи с натуры, как замечал Крамской, он почти сразу угадывал, что не существенно, а с чего следует начать, «...будто живет в другой раз и что ему остается что-то давно забытое только припомнить».
Лето 1868 г. Васильев провел вместе с Шишкиным в Константиновке под Петербургом. Они занимались изучением в этюдах различных по форме облаков. И.Е.Репин, навестив однажды дом Васильевых, был ошеломлен, увидев на рисунке дивно вылепленные облака и то, как они освещены. В том же 1868 г. старшая сестра Федора Евгения Александровна становится женой Ивана Ивановича Шишкина. Отныне художники связаны не только духовными, но и родственными узами. Федор работал с какой-то ненасытной жадностью. Картины появлялись одна за другой: «У водопоя», «Перед грозой», «Близ Красного села». За последнюю он получил первую премию на конкурсе Общества поощрения художников. Ранее оторванный от природы, не всегда понимающий ее, Васильев теперь словно прозревал. В начале июня следующего года известный покровитель искусств граф П.С.Строганов пригласил молодого художника на лето в Тамбовскую губернию, в свое степное имение Знаменское. «Если бы ты видела, Женя, степь, - писал Федор сестре. - Я до того полюбил ее, что не могу надуматься о ней». В сентябре Васильев вместе с семьей Строганова переехал на Украину, в графское имение Хотень под Сумами. Там он увидел и могучие дубравы, и романтические уголки со старыми водяными мельницами у зарастающих прудов, и пирамидальные тополя. Ярких же красок, света, солнца здесь было еще больше, чем в тамбовских степях, и именно хотеньские впечатления легли в основу его будущих изображений русской природы «по памяти».
Когда в 1870 г. И.Е.Репин начинал работать над картиной о бурлаках, Васильев уговорил его отправиться летом на Волгу, где тогда так часто можно было встретить бурлацкие ватаги. С ними поехали художник Е.К.Макаров и младший брат Репина музыкант В.Е.Репин. На Волге компания провела все лето, с жаром работая над зарисовками и этюдами. «Он поражал нас на каждой мало-мальски интересной остановке, - вспоминает Репин о Васильеве, - ...его тонко заостренный карандаш с быстротой машинной швейной иглы черкал по маленькому листку его карманного альбомчика и обрисовывал верно и впечатлительно цельную картину крутого берега... Пароход трогался, маг захлопывал альбомчик, который привычно нырял в его боковой карман...» С этого времени в работах Васильева неоднократно появляется тема Волги, а в пейзаж все ощутимее входит человек, не столько как действующее лицо, сколько как «лирический герой», определяющий настроение картины. Интересно, что в Русском музее на одном из листов, принадлежащих художнику, есть набросок, очень близкий к композиции первоначального эскиза «Бурлаков» Репина. Так что можно сказать, что к созданию этой картины был немного причастен и Федор Александрович. В начале 1871 г. в течение одного месяца Васильев пишет «Оттепель», по-настоящему «взрослую» картину, где светлая юношеская любовь к жизни впервые соединилась с глубоким и грустным раздумьем. Заснеженные просторы России без конца и края под хмурым облачным небом. Разъезженная дорога, сырые проталины, ржаво-коричневые пятна кустов. Две одинокие фигурки усталых путников еще больше усиливают тревожное, тягостное настроение. Все написано с дивной простотой: сырой воздух, размокший снег, убогая изба, дорога, уводящая в бесконечную даль, и просится сравнение с протяжной и горестной русской песней. Увидев «Оттепель», Шишкин сказал: «О! Он скоро превзошел меня, своего учителя...» На конкурсе, устроенном Обществом поощрения художников, картина получила первую премию. А Крамской сказал: «...ваша теперешняя картина меня раздавила окончательно. Я увидел, как надо писать».
"Оттепель" Ф. Васильев
«Оттепель» нелегко далась Васильеву. Зимой он сильно простыл на катке и, не оправившись толком от простуды, поехал с таким же шальным, как и сам, дружком, учеником академии Кудрявцевым «перекрикивать» Иматру - шумный водопад в Финляндии среди голых скал и заснеженных лесов. Друзья становились по обе его стороны и перекликались до хрипоты наперекор стихии. Вскоре Федора одолел кашель, но заняться собой было некогда: наступала пора оттепели, а он должен был подглядеть ее всю - день за днем, шаг за шагом. Оттепель была увидена, запечатлена, и тут обнаружились первые грозные признаки туберкулеза. Двадцать один год - излюбленный возраст этой болезни. Лишь весенние месяцы 1871 г. довелось Васильеву провести в Петербурге, среди друзей-художников, в горячих спорах об искусстве и напряженной работе в мастерских накануне Первой передвижной выставки. За это время он успел написать для будущего императора Александра III повторение «Оттепели», купленной П.М.Третьяковым. Но это была не просто копия собственной картины, а возможность творческой доработки темы. Повторение картины было отправлено через год на Всемирную выставку в Лондон и получило высокую оценку английских критиков.
Болото в лесу. Осень, 1871-1873
Рассвет,1873
После дождя. Проселок, 1867-1869
В 1871 г. Васильев снова навестил Хотень и провел там три месяца. А в июле он вынужден был уехать в Крым, где поселился в Ялте в надежде на благотворное влияние климата. Общество поощрения художников дало ему средства на эту поездку. Но еще до отъезда Федор Александрович был зачислен вольноопределяющимся учеником Академии художеств и получил звание художника I степени. Жизнь в Ялте была трудной. Безуспешные хлопоты о документах, которые определили бы его общественное положение (как незаконнорожденного), забота о матери и любимом младшем брате Романе и, конечно, все обостряющаяся болезнь требовали больших денег. Сторублевой ссуды, переводившейся ежемесячно Обществом поощрения художников под обеспечение картинами, не хватало, и Васильев вынужден был непрерывно работать ради хлеба.
Пышная красота Крыма долго не трогала художника. Он радовался теплу, солнцу, цветам в январе, но тосковал по волжским берегам, с волнением вспоминал о болотах и лугах, о роскошных дубравах Хотени. Когда художник был в силах работать, он возвращался к милым его сердцу родным «русским» мотивам. «Русской» была и картина «Мокрый луг», представленная на конкурс Общества поощрения художников в 1872 г. Написанная не с натуры, а сочиненная художником на основе зарисовок, сделанных в разных местах и в разное время, она поразила современников свежестью живописи, точностью воссоздания атмосферы и исходящим от нее ощущением неясной томительности. Художник изобразил омытый дождем мокрый луг под огромным небом, набухшие влагой облака, несколько деревьев вдали да бегущие по влажной траве тени гонимых ветром туч. Все в картине полно движения, все живет и дышит, особенно небо с его кипением и бурлением, с его игрой света и космической бесконечностью. Увидев это полотно, Крамской был потрясен. По его словам, все в Васильеве «говорило о художнике, необыкновенно чутком к шуму и музыке природы» и способном не только передавать увиденное, но и улавливать «общий смысл предметов, их разговор между собой и их действительное значение в духовной жизни человека». На конкурсе «Мокрый луг» получил вторую премию.
Васильев жил долетавшими из далекого Петербурга отзвуками успеха его картины, мечтами о выздоровлении и, как всегда, был шутлив, изящен и «держал себя... всюду так, что не знающие его полагали, что он, по крайней мере, граф по крови». Но запас воспоминаний о России начинал постепенно иссякать вместе с надеждой на возвращение домой, щемящая грусть все более проступала в работах. Крымские пейзажи художника были проникнуты печальным раздумьем и чрезвычайно далеки от традиционных представлений о «южных красотах». Кроме того, Васильев вынужден был принять заказы великого князя Владимира Александровича, пожелавшего иметь его пейзажи для подарка императрице. «Высочайшие» заказы оборачивались для художника тяжкой мукой, он через силу брался за «преглупейшие и преказеннейшие виды» царских владений. С огромным трудом Васильев пишет «Вид из Эриклика», но пейзажи осенних крымских гор, туманные леса, все то, что близко его душе северянина, увлекают его, и величие видов Крыма мало-помалу овладевает воображением. Им создается ряд небольших работ с изображением гор, то скрытых плотной завесой дождевых туч, то занесенных по склонам снегом. Но более всего его воображение по-прежнему занимают картины милого ему северного болота. «О болото, болото! Если бы Вы знали, как болезненно сжимается сердце от тяжкого предчувствия. Ну, ежели не удастся мне опять дышать этим привольем... ведь у меня возьмут все, все, если возьмут это. Ведь я, как художник, потеряю больше половины!» - пишет он Крамскому. И рождаются полотна «Утро», «Болото в лесу. Осень» (осталась незаконченной), «Заброшенная мельница». Наряду с ними появляются также крымские виды: «Зима в Крыму», «Крым. После дождя», «Крымские горы зимой» и, наконец, последний шедевр Васильева, его лебединая песня и творческое завещание - «В Крымских горах», картина, еще раз представлявшая художника на конкурсе Общества поощрения и принесшая ему первую премию.
«Что-то туманное, почти мистическое, чарующее, точно не картина, а в ней какая-то симфония доходит до слуха оттуда, сверху...» - писал о ней Крамской. Эти бесконечные дали полупустынных гор, сливающихся с недвижными туманами облаков, рассеянный свет неяркого солнца, торжественная простота группы сосен над горной дорогой. Все в этом полотне зовет к раздумью, к постижению глубокого смысла природы, укрепляет веру в ее очищающее воздействие на душу. В начале октября 1873 г. заведующий художественным отделом Петербургской публичной библиотеки В.В.Стасов получил письмо от Крамского. В нем писалось: «Многоуважаемый Владимир Васильевич, быть может, вы найдете уместным сообщить публике... об одном печальном обстоятельстве... 24 сентября, утром, умер от чахотки в Ялте 23 лет от роду пейзажист Федор Александрович Васильев... Не знаю, много ли будет у меня единомышленников, но я полагаю, что русская школа потеряла в нем гениального художника...» Васильев был похоронен в Ялте, на Старомассандровском кладбище. Позже на месте, где находился дом, в котором он жил, установили бронзовый бюст. Через три месяца после его смерти И.Н.Крамской, И.И.Шишкин и писатель Д.В.Григорович организовали в Обществе поощрения художников посмертную выставку работ Васильева. Главной ее целью была распродажа наследия покойного, которая позволила бы покрыть его долг обществу. Она была достигнута очень быстро. Большинство выставленных работ раскупили еще до открытия выставки, состоявшейся в начале января 1874 г. Несмотря на очень скромную оценку многих из них, вырученная сумма составила почти 6000 рублей, что позволило заплатить долги Васильева Обществу поощрения художников и П.М.Третьякову, а оставшиеся деньги передать матери живописца. Но ценность его творческого наследия была гораздо выше. Созданного Васильевым хватило на то, чтобы попасть в число самых выдающихся мастеров русской пейзажной живописи.
Картина Иеронима Босха «Корабль дураков» при внимательном рассмотрении не даст усомниться, что, даже спустя 400 лет, работы этого художника остаются актуальными, невзирая на его бредовую мировоззренческую символику конца Средневековья, исполненную волшебства, юродства и чертовщины. Картина относится к зрелому периоду творчества Босха. Суть её - осмеяние неменяющихся пороков человеческого общества глупости и зла, господствующих в мире. Ведь все человечество плывет через море Времени на одном общем «Корабле». Мы все, кто больше, кто меньше, подвержены тем же порокам, что и «дураки». Мы едим, пьем, обманываем, играем в глупые игры. Тем временем наше судно дрейфует бесцельно. А может до сих пор художник нам задает вопрос: куда плывет ВАШ корабль?
Портрет Босха . Карандаш, сангина 41×28 см. Муниципальная библиотека. Аррас.
Из биографии:
Еру́н Анто́нисон ван А́кен (нидерл. Jeroen Anthoniszoon van Aken), более известный как Иеро́ним Босх, (1450—1516) — нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения, считается одним из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. В родном городе Босха — Хертогенбосе — открыт центр творчества Босха, в котором представлены копии его произведений.
Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Прежде считалось, что «чертовщина» на картинах Босха призвана всего лишь забавлять зрителей, щекотать им нервы, подобно тем гротескным фигурам, которые мастера итальянского Возрождения вплетали в свои орнаменты. Современные учёные пришли к выводу, что в творчестве Босха заключён куда более глубокий смысл, и предприняли множество попыток объяснить его значение, найти его истоки, дать ему толкование. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста XV века, извлекавшего свои невиданные образы из глубин подсознания, и, называя его имя, неизменно вспоминают Сальвадора Дали́. Другие полагают, что искусство Босха отражает средневековые «эзотерические дисциплины» — алхимию, астрологию, чёрную магию.
Его техника называется алла прима. Это метод масляной живописи, при котором первые мазки создают окончательную фактуру. На основании результатов современных исследований творчества Босха искусствоведы относят к сохранившемуся наследию Иеронима Босха 25 картин и 8 рисунков. Картины — это триптихи, фрагменты триптихов и отдельные, самостоятельные картины. Лишь 7 творений Босха подписаны. История не сохранила оригинальных названий картин, которые дал своим творениям Босх. Известные нам названия закрепились за картинами по каталогам. Исследователи до сих пор не могут уверенно говорить о творческой эволюции и хронологии произведений Босха, так как ни на одном из них нет даты, а формальное развитие творческого метода не представляет собой поступательного движения и подчинено собственной логике, предполагающей приливы и отливы.
Картины Босха представляют собой сатиру на всё греховное. Сигуенса так оценивал творчество Босха: «Разница между работами этого человека и работами других художников заключается в том, что другие стараются изобразить людей такими, как они выглядят снаружи, ему же хватает мужества изобразить их такими, как они есть изнутри». Великий испанский писатель Лопе де Вега называл Босха «великолепнейшим и неподражаемым художником», а его работы — «основами морализирующей философии».
Значительное количество символов Босха являются алхимическими. Для современников Босха его картины имели гораздо больший смысл, чем для современного зрителя. Необходимые пояснения к сюжетам средневековый человек получал из разнообразных символов, которыми изобилуют картины Босха. Значение многих символов уже безвозвратно утеряно, символы меняли значение в зависимости от контекста, они по-разному трактовались в разных источниках — от мистических трактатов до практической магии, от фольклора до ритуальных представлений. За прошедшие пять веков многозначность символики Босха позволяла исследователям его творчества и почитателям отнести художника к самым разным религиозным и философским направлениям. Алхимические стадии превращения зашифрованы в цветовых переходах; зубчатые башни, полые внутри деревья, пожары, являясь символами Ада, одновременно намекают на огонь в опытах алхимиков; герметичный же сосуд или плавильный горн — это ещё и эмблемы чёрной магии и дьявола.
Сад земных наслаждений. Фрагмент.
Босх использует и общепринятую в средневековье символику бестиария — «нечистых» животных: на его картинах встречаются верблюд, заяц, свинья, лошадь, аист и множество других. Жаба, в алхимии обозначающая серу, — это символ дьявола и смерти, как и всё сухое — деревья, скелеты животных. лестница — символ пути к познанию в алхимии или полового акта; перевёрнутая воронка — атрибут мошенничества или ложной мудрости; ключ (часто по форме не предназначенный для открывания) — познание или половой орган; отрезанная нога, традиционно ассоциирующаяся с увечьями или пытками, а у Босха связанная ещё и с ересью и магией; стрела — символизирует таким образом «Зло». Иногда торчит она поперёк шляпы, иногда пронзает тела, порой даже воткнута в анус полуголой персоны (что также означает намек на «Испорченность»); сова — в христианских картинах может быть интерпретирована не в антично-мифологическом смысле (как символ мудрости). Босх изображал сову на многих своих картинах, он вносил её иногда в контекстах к персонам, которые себя коварно вели либо предавались смертному греху. Поэтому принято считать, что сова служит злу, как ночная птица и хищник, и символизирует глупость, духовную слепоту и безжалостность всего земного; чёрные птицы — грех.
Босх производит впечатление мастера «неподражаемого», однако его манера была воспринята множеством копиистов, как только выяснилось, что это гарантировало выгодную продажу картин. Сам Босх следил за изготовлением копий некоторых своих работ, в частности, триптиха «Воз сена», который существует в двух версиях — (в собраниях Прадо и Эскориала).
Когда сюрреализм заявил о главенстве подсознания в искусстве, фантазии Босха были заново оценены. Изъятые из позднеготического контекста, в котором они возникли, его чудовищные фигуры получили новую жизнь. Макс Эрнст и Сальвадор Дали́ объявили себя его наследниками. Создания Дали́ повинуются метаморфическому закону, которые всё делает принадлежащим единой реальности первозданного хаоса, поэтому в атмосфере его картин господствуют абсурд и тайна.
В многоплановом творчестве Питера Брейгеля Старшего обе тенденции, развиваясь параллельно, представлены в равной степени, являя синтез нового философского обобщения. То, что Питер Брейгель Старший (ок. 1525/30-1569) в первую очередь унаследует от Босха, будет именно причастность народной крестьянской культуре, а также морализаторский дух, выраженный через аллюзии и подтексты двусмысленной и тонкой трактовки сюжета.
Творчество Босха старались представить в свете психоаналитической теории Фрейда: лишь высвобождение сверхъестественных сил бессознательного могло породить адские видения нидерландского мастера. Фантасмагорический мир Босха вполне отвечает теории автоматизма, изложенной Андре Бретоном в первом манифесте сюрреалистов (1924): живописец запечатлевает любой образ, возникший в его сознании. Сам Бретон определял Босха как «совершенного визионера», отводя ему роль предтечи сюрреализма: поэтику воображения без границ предваряет творчество «живописца бессознательного».
- художник-импрессионис и мой хороший друг московского периода жизни, часто выставлялся у нас в Измайлово, на острове, пока власти вовсе не запретили художникам там выставлять свои работы на продажу - побоялись, что покупатели остров затопчут - как-никак СЕРЕБРЯНО-ВИНОГРАДНЫЕ ПРУДЫ!!! В мрачном 91-ом разъехались, я в Псков, а он - в Израиль... Распались, но не забыли, что у нас есть общие воспоминания и - друзья.
Катаются туда-сюда и - передают живые приветы, да и - интернет под рукой. Саша, привет тебе из Себежа! О таком ты и не слыхивал, наверное?...)) А, между тем, это родина Зиновия Ефимовича Гердта... А на стене у меня висит твоя картина "Туман в Геленджике" - копия, написанная специально для меня, - оригинал ты мне пожалел, помнишь?..)))
Тем не менее, Саша добрый, чуткий и отзывчивый человек, ищущий, мятежный художник, глубокая и кипучая натура, у которого внутри - лава... Судите сами.
Ганелин Александр Лазаревич Alexander Ganelin, родился 6 октября 1957 года. В 1974 окончил Московскую художественную школу №1 (Краснопресненскую) по классу графики преподователя Генриха Стопа и классу керамики Игоря Антонова. Выпускник 1980 года художественного факультета ВГИК (мастерская проф. Г.А. Мясникова и А.С. Дихтяра).
В 1978 работал декораторм на к/с "Ленфильм" (к/к "Ранние журавли", совместно с к/с "Киргизфильм"). В 1980-1982 – ассистентом художника-постановщика и декоратором на к/с им. Горького (к/к "Сказка, рассказанная ночью", телесериал "Россия молодая", к/к "Серебряное ревю", "Приказ: перейти границу", "Нежный возраст").
В 1983 был приглашен художником-постановщиком на т/к "Незнайка с нашего двора" (Одесская к/с). С 1984 года полностью посвятил себя живописи. Его работы представляли российское искусство в Европе (Польша, Англия, Бельгия, Германия), в Азии (на фестивале Российской культуры в Индии), в Африке (серия выставок в Морокко). С 1991 года проживает в Израиле.
В 1993 прошел полугодовой курс в Академии художеств "Бецалель" в Иерусалиме. В том же, 1993-м году, – арт-директор израильской к/к "Кофе с лимоном" (режиссер Леонид Горовиц, оператор Валентин Белоногов). В 1994-1998 годах дизайнер анимационной студии "Питчи-Пой" (Яффа).
С 1999 - свободный художник, живописец, полиграфический дизайнер и издатель. С 2002 года работает в своей студии-галерее "Манзон Хауз" в Старой Яффе.
О ПРОИЗВЕДЕНИИ Аннотация: ПОДСОЛНУХИ Год создания: 2008 Техника: масло на холсте Размеры: 100Х90 Цена: 1600$ Дата размещения: 01.08.2008, 12:16
Это имя мало кому знакомо в России - да и я, признаться, узнала о нем почти случайно, когда мой норвежский знакомец в принудительном порядке повел меня на его выставку в пригороде Стокгольма. Но это была любовь с первого взгляда.
Вдохновляясь работами Рембрандтом и Караваджо, Нердрум пишет удивительную светотень. Работает в основном пальцами и кусочками ткани, реже кистью. В последние два десятилетия место действия его полотен перенесено в странную вселенную с очень характерными (ударение и на "а", и на "е") персонажами.
С именем Одда Нердрума связан и один из самых громких процессов в истории норвежской судебной системы. Он был обвинен в неуплате налогов и приговорен к двум годам тюрьмы с запрещением заниматься живописью в этот период. Приговор был обжалован, тяжба длится по сей день.
Но стоят ли эти несчастные деньги, да еще и в такой небедной стране, попорченных нервов и сил великого (я в этом убеждена) художника!? По-моему, этот приговор - даже сама идея подобного наказания - позор норвежской судебной системе.
Отправлено: 11.03.16 01:00. Заголовок: Михаил Шемякин - рус..
Михаил Шемякин - русский художник, представитель русского "неофициального" авангарда.
Учился в средней художественной школе при Институте живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина в Ленинграде. В 1971 году эмигрировал, поселившись в Париже, а позднее - в Нью-Йорке и Клавираке. Сквозной темой его творчества, соединившего в себе черты символизма и сюрреализма, стал карнавал, космически-всеохватный маскарад. Отдельные мотивы слагались в большие, многолетние циклы "Карнавалы Санкт-Петербурга", "Чрево Парижа" и другие. Не раз выступал и как график-иллюстратор. Особую известность получил цикл сатирических рисунков Шемякина по мотивам поэзии Владимира Высоцкого. За этот цикл рисунков Михаил Шемякин был удостоен Государственной премии России в 1993 году. В 1977 издал в Париже альманах "Аполлон-77", ставший коллективным манифестом русского художественного андерграунда. В 1980-1990-е годы все чаще обращался к скульптуре, создавая "карнавальные" рельефы и мелкую пластику. В период перестройки его творческие замыслы воплотились в ряде монументальных работ на родине: памятник Петру I в Петропавловской крепости, памятник жертвам политических репрессий в виде пары "метафизических" сфинксов напротив тюрьмы "Кресты", многофигурная группа "Дети и зло" в Москве и прочие. В 2001 году выступил как художник-постановщик балета П.И.Чайковского Щелкунчик в Мариинском театре.
«Пушкинским светом» Валентина Васильева поделились с великолучанами музейщики «Михайловского»
20.04.2016 13:56 ПЛН, Псков
Сегодня в великолукской Детской художественной школе имени А. А. Большакова открылась выставка «Пушкинский Заповедник в графике В.М. Васильева» Государственного музея-заповедника А. С. Пушкина «Михайловское». Как рассказали корреспонденту Псковской Ленты Новостей в музее, в этой передвижной экспозиции представлены линогравюры, отпечатанных с авторских досок Валентина Васильева.
Вместе эти черно-белые листы создают полный, цельный художественный образ псковских пушкинских мест и вызывают в памяти строки пушкинских стихов. Характеризуя особые качества графики псковского мастера, директор Государственного музея-заповедника «Михайловское» Георгий Василевич отмечает не только врожденное чувство красоты и гармонии, но еще и некий внутренний свет — умение художника в черно-белой гравюре передать «…удивительное ощущение света, исходящего от земли, неба, деревьев — всего того, что художник с такой любовью запечатлевает».
Валентин Васильев. Озеро Кучане. Из собрания Пушкинского Заповедника
Творчество художника, основателя псковской школы графики, одного из инициаторов создания и первого директора Псковской детской художественной школы Валентина Васильева сегодня очень востребовано, подчеркнули в заповеднике. К его графике музейщики «Михайловского» то и дело обращаются, когда им нужно представить Псковщину, Россию на выставках по региону, стране и за ее пределами. Среди показов последних лет можно назвать выставку «Пушкиногорье в графике Валентина Васильева» в Государственном музее истории белорусской литературы (Минск) или выставку графики из фондов «Михайловского» в музее-усадьбе В.В. Набокова «Рождествено» (Ленинградская область) осенью 2014 года; в 2015-м — в год 75-летия художника — линогравюры Валентина Васильева показывали жителям Мадрида (Испания) и псковичам (в Псковской областной библиотеке).
Планируется, что выставка «Пушкинский Заповедник в графике В.М. Васильева» будет работать в ДХШ имени Большакова (Великие Луки, ул. Некрасова, д. 6/1) до середины мая. http://pln-pskov.ru/culture/238992.html
Отправлено: 24.04.16 04:00. Заголовок: АНО "НКИЦ имени ..
АНО "НКИЦ имени М. А. Волошина"
ИСТОРИЯ ОДНОЙ КАРТИНЫ.
С этой работой я познакомился совершенно случайно в Рыбинске несколько лет тому назад. Большая жанровая картина, на которой изобретатель Попов демонстрировал свое изобретение адмиралу Макарову. Вольная копия работы художника Соколова. Было видно, что она прожила долгую и непростую жизнь - грубый старый холст во многих местах был пробит, задник пестрел какими-то странными штампами, краска местами облупилась... Оказалось, что эта картина была написана в печально известном лагере в 50-е годы прошлого века, а сам автор упоминается А. Солженицыным в романе "В круге первом". Тогда я впервые услышал о талантливом русском художнике Сергее Михайловиче Ивашеве-Мусатове. И вот на днях наш музей стал обладателем этого шедевра. Картина должна отправиться на реставрацию, которая займет достаточно много времени, а я хочу рассказать Вам о Художнике.
Сергей Михайлович Ивашев-Мусатов. Живописец. Родился в 1900 г. в Москве. Умер в 1992 г. там же.
Учился на физико-математическом факультете МГУ (1918–1923), занимался в художественной мастерской М. Ф. Шемякина (1919 – 1923), в студии АХР у И. И. Машкова и Б. В. Иогансона (1926 -1929, в институте повышения квалификации художников- живописцев и оформителей у М.К.Соколова (1936–1938). Участник выставок с 1934 г. С 1940 г. вел занятия по живописи и рисунку в изостудиях.
Арестован 1.10.1947 г. в связи с делом Даниила Андреева. Инкриминировали антисоветскую агитацию и террор. 30.10.1948 г. приговорен ОСО к 25 годам ИТЛ с последующим поражением в правах. Срок отбывал в Степлаге Карагандинской обл. до 1954 г. Лагерный номер СА-759. Работал художником. Освобожден в апреле 1956 г.
Реабилитирован в ноябре того же года. Жил и работал в Москве (по материалам биографических статей)
Морис Давидович Гершман (NY 1995г.) в книге "Приключения американца в России. 1931 - 1990" писал : "Картин, кроме портретов русских учёных и композиторов, в том числе и “Изобретатель радио Попов демонстрирует свой беспроволочный телеграф адмиралу Макарову” , он не писал. За год с лишним, который я проработал под его началом, он написал лишь многочисленные эскизы и этюды к задуманным картинам на будущее. Не могу с уверенностью утверждать, что он в дальнейшем написал их, так как в середине 1950 года мы расстались, - я был отправлен в Воркутинские лагеря. Над картиной же “Попов демонстрирует...” он проработал при мне около года и, на мой взгляд, она явно не удалась ему. Фигуры действующих лиц были в неестественных позах, замерли, как бы позируя, не было динамики, и они более походили на восковые фигуры из музея “мадам Тюссо”. Общий фон, да и сами фигуры были выписаны с преобладанием жёлто-коричневых тонов." А как думаете Вы?
Отправлено: 04.01.17 03:35. Заголовок: Михаил Нестеров. Суд..
Михаил Нестеров. Судьба, трагедия и аресты "Амазонки", а также других людей с картин великого художника.
1937 год оказался особенно страшным для Нестеровых. Был арестован еще один зять художника Виктор Шретер, муж Ольги. Видный юрист, профессор Московского университета, он был обвинен в шпионаже и через год расстрелян (стоит ли говорить, что в 1950-х годах его посмертно реабилитировали за отсутствием состава преступления). В 1938 году арестовали и Ольгу, уже немолодую и с ранней юности нездоровую женщину. И сам Нестеров был арестован, правда в тюрьме его продержали всего две недели, выбивая показания... Можно себе представить, что чувствовал 76-летний художник, когда его тащили в камеру и подвергали оскорблениям и допросам. Жил художник по-прежнему в Сивцевом Вражке, в квартире расстрелянного зятя. Его близкие - жена и дочери - очень страдали из-за того, что к ним стали относиться как к родственникам "врагов народа" (а это было связано с повседневными унижениями и хамством), но сам Нестеров старался не обращать на это внимания. Мастер боролся за право сохранить верность своим идеалам, и не угодничать перед новой властью.Он отказался писать портрет Сталина, а до того - отказался от юбилейной выставки, так как на ней нельзя было выставить его самые важные работы, такие как "Душа народа"
Отправлено: 02.02.17 12:09. Заголовок: Надя оставила после ..
Надя оставила после себя огромное художественное наследие — около 12 000 рисунков. Точное их число невозможно подсчитать — значительная доля разошлась в письмах, сотни листов художница подарила друзьям и знакомым, немалое количество работ по разным причинам не вернулось с первых выставок. Многие её рисунки хранятся в музее Льва Толстого в Москве, в музее-филиале имени Нади Рушевой в городе Кызыле, в Пушкинском доме Академии наук в Петербурге, Национальном фонде культуры и Государственном музее А.С. Пушкина в Москве.
НАДЕЖДА РУШЕВА
31 января 2017 года ей могло бы исполниться 65 лет. К сожалению, она умерла, когда ей было всего 17. В день рождения Нади Рушевой «Избранное» решило восстановить хронику жизни и творчества невероятно талантливой советской девочки.
10 удивительных фактов о жизни самой юной художницы СССР
31.01.2017
Москвичи постарше ещё помнят очереди в Пушкинский музей на выставку графики 17-летней московской школьницы, которую весь Союз знал как гениальную юную художницу Надю Рушеву. Она была автором тысяч восхитительных рисунков, в том числе иллюстраций к «Мастеру и Маргарите» — лучших из всех существующих, по авторитетному мнению вдовы Булгакова.
1. Мама Нади Рушевой была первой тувинской балериной
Надя Рушева родилась 31 января 1952 года в Улан-Баторе. Её отцом был советский художник Николай Константинович Рушев, а матерью – первая тувинская балерина Наталья Дойдаловна Ажикмаа-Рушева. Первая тувинская балерина Наталья Дойдаловна Ажикмаа-Рушева
Родители Нади познакомились в августе 1945 года. Николай Рушев жил в Москве, в Туву приехал в командировку. Он всегда интересовался востоком, но из этой поездки привёз не только впечатления и книги, но и экзотическую восточную красавицу. На старых фотографиях Наталья Дойдаловна, чистокровная тувинка, похожа на китаянок из фильмов Вонг Кар-Вая. Осенью 1946 года они поженились.
2. Рисовать Надя начала в пять лет
Её никто этому не учил, она просто взяла в руки карандаш и бумагу и больше никогда в жизни с ними не расставалась. Однажды она нарисовала 36 иллюстраций к «Сказке о царе Салтане» Пушкина, за то время, пока отец читал эту сказку вслух. В последнем телевизионном интервью Надя рассказывает:
«Сначала были рисунки к сказкам Пушкина. Папа читал, а я рисовала в это время — рисовала то, что в данный момент чувствую <...> Потом, когда сама научилась читать, делала уже к „Медному всаднику“, „Повестям Белкина“, к „Евгению Онегину“...»
Маленькая Надя Рушева с родителями
3. Надя никогда не пользовалась ластиком
Особенность стиля Нади Рушевой заключалось в том, что девочка никогда не делала эскизов и не использовала ластик для карандаша. Штриховок и исправленных линий в рисунках тоже практически нет. Она всегда рисовала с первой попытки, как будто обводила на листке видимые только ей контуры. Именно так она сама и описывала процесс рисования:
«Я их заранее вижу... Они проступают на бумаге, как водяные знаки, и мне остаётся их чем-нибудь обвести». На её рисунках нет ни одной лишней черты, но в каждой работе художница виртуозно передаёт эмоции — часто всего несколькими линиями.
Самый известный рисунок Нади Рушевой - Наталья Гончарова, жена Пушкина.
Наталья Гончарова, жена Пушкина — пожалуй, самый известный рисунок Нади Рушевой
4. Отец решил не отдавать девочку в художественную школу
Надя почти никогда не рисовала с натуры, не любила и не умела это делать. Отец боялся разрушить муштрой дар девочки и принял важнейшее решение — не учить её рисованию. Он считал, что главное в таланте Нади — её удивительное воображение, которому научить невозможно.
Лицеисты-вольнодумцы: Кюхельбекер, Пущин, Пушкин, Дельвиг. Из серии «Пушкиниана»
5. Первая выставка Нади состоялась, когда ей было всего 12 лет
В 1963 году её рисунки были напечатаны в «Пионерской правде», а ещё год спустя состоялись первые выставки — в редакции журнала «Юность» и в «Клубе искусств» МГУ.
В последующие пять лет прошло ещё 15 персональных выставок – в Москве, Варшаве, Ленинграде, Польше, Чехословакии, Румынии и Индии.
Из серии «Пушкиниана»
Пушкин читает. Из серии «Пушкиниана»
6. «Браво, Надя, браво!», — написал на одной из её работ итальянский сказочник Джанни Родари
В оценке её творчества простые зрители и искусствоведы были единодушны — чистая магия. Как можно с помощью бумаги и карандаша или даже фломастера передать тончайшие движения души, выражение глаз, пластику?.. Объяснение было одно: девочка — гений. «То, что это создала девочка гениальная, становится ясным с первого рисунка», — писал Ираклий Луарсабович Андроников, рассуждая о цикле «Пушкиниана»
«Я не знаю другого подобного примера в истории изобразительных искусств. Среди поэтов, музыкантов редко, но были необычайно ранние творческие взрывы, у художников же — никогда. Вся юность у них уходит на студию и освоение мастерства», — восхищался Надей доктор искусствоведения Алексей Сидоров. «Аполлон и Дафна», 1969. Нимфа Дафна дала обет целомудрия. Убегая от воспылавшего страстью Аполлона, она попросила богов о помощи. Боги превратили её в лавровое дерево, как только влюблённый Аполлон дотронулся до неё.
7. Только в серии «Пушкиниана» более 300 рисунков
Среди работ Нади Рушевой — иллюстрации к мифам Древней Эллады, произведениям Пушкина, Льва Толстого, Михаила Булгакова. Всего девочка проиллюстрировала произведения 50 авторов. Самые известные рисунки Нади — это серия иллюстраций к сказке «Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери, к роману в стихах «Евгений Онегин» Пушкина и к «Мастеру и Маргарите» Булгакова.
Пушкину, которого Надя называла «самым родным поэтом», художница посвятила около 300 рисунков.
Ей прочили карьеру иллюстратора, но она сама хотела стать мультипликатором, готовилась поступать во ВГИК.
Пушкин и Анна Керн (из серии «Пушкиниана»)
Другие известные циклы Нади Рушевой — «Автопортреты», «Балет», «Война и Мир» и др.
Отдыхающая балерина (1967)
8. Рисунки Нади высоко оценила вдова писателя Елена Сергеевна Булгакова
Полузапрещённый в СССР роман «Мастер и Маргарита» Надя прочла на одном дыхании. Книга полностью захватила её. Она отложила все другие проекты и какое-то время буквально жила в созданном Булгаковым мире. Вместе с отцом они гуляли по местам, где разворачивалось действие романа, и результатом этих прогулок стал потрясающий цикл рисунков, в котором Надя Рушева проявилась уже как практически состоявшийся художник.
Невероятно, но эти созданные полвека назад рисунки остаются и по сей день, пожалуй, самыми известными иллюстрациями к роману Булгакова — и самыми удачными, во многом пророческими. Ни разу не видя Елену Сергеевну Булгакову, вдову писателя и прототип Маргариты, Надя придала своей Маргарите сходство с этой женщиной — удивительная прозорливость, качество гения. А Мастер получился похожим на самого Михаила Афанасьевича.
Неудивительно, что Елена Сергеевна была очарована работами Нади: «Как свободно!.. Зрело!.. Поэтическая недосказанность: чем больше смотришь, тем больше затягивает... Какая амплитуда чувств!.. Девочка в 16 лет прекрасно все поняла. И не только поняла, но и убедительно, великолепно изобразила».
Однажды весной, в час небывало жаркого заката...
Мастер и Маргарита
Первая встреча Мастера и Маргариты
Маргарита выхватывает рукопись из огня
Поэт Бездомный
9. Буквально накануне смерти Надя ездила в Ленинград, где про неё снимали документальный фильм
В конце февраля 1969 года киностудия «Ленфильм» пригласила 17-летнюю художницу принять участие в съемках биографического фильма о себе. К сожалению, фильм «Тебя, как первую любовь» остался незавершенным. Надя вернулась домой буквально за день до смерти.
Один из самых поразительных эпизодов десятиминутного незавершенного фильма — те несколько секунд, когда Надя рисует веткой на снегу профиль Пушкина.
Надежда Рушева. Автопортрет
10. Она умерла неожиданно
5 марта 1969 года Надя как обычно собиралась в школу и вдруг потеряла сознание. Её увезли в Первую Градскую больницу, где она умерла, не приходя в себя. Выяснилось, что она жила с врождённой аневризмой сосудов головного мозга. Тогда это лечить не умели. Более того, врачи говорили, что это чудо — дожить до 17 лет с таким диагнозом.
Никто не знал, что у Нади аневризма — она никогда не жаловалась на здоровье, была весёлым и счастливым ребёнком. Смерть наступила от кровоизлияния в мозг.
Беспощадная жестокость судьбы вырвала из жизни только что расцветший талант гениальной московской девочки Нади Рушевой. Да, гениальной, — теперь нечего бояться преждевременной оценки. — из посмертной статьи академика В.А. Ватагина в журнале «Юность»
Надя оставила после себя огромное художественное наследие — около 12 000 рисунков. Точное их число невозможно подсчитать — значительная доля разошлась в письмах, сотни листов художница подарила друзьям и знакомым, немалое количество работ по разным причинам не вернулось с первых выставок. Многие её рисунки хранятся в музее Льва Толстого в Москве, в музее-филиале имени Нади Рушевой в городе Кызыле, в Пушкинском доме Академии наук в Петербурге, Национальном фонде культуры и Государственном музее А.С. Пушкина в Москве.
Журналист и писатель Дмитрий Шеваров в своей статье о Наде Рушевой говорит о том, что творчество советской художницы оказалось чрезвычайно близко японской классической эстетике.
«Японцы до сих пор вспоминают Надю, издают ее рисунки на открытках, — пишет Шеваров. — Приезжая к нам, они удивляются, что в России нет рушевского музейного центра, что работы Нади лежат в запасниках, а наша молодежь в большинстве своем о Рушевой ничего не слышала. „Это же ваш Моцарт в изобразительном искусстве!“ — говорят японцы и недоуменно пожимают плечами: мол, как же богаты талантами эти русские, что могут позволить себе забывать даже о своих гениях». Но как? Откуда? Почему вместо скакалок и классиков — книги, биографии и часы кропотливой работы без отдыха и перерыва. Работы, к которой её никто не принуждал. И почему древняя Эллада, биография Пушкина и «Абидосская невеста» Байрона интересовали 12-летнего ребёнка больше, чем игры и болтовня с подругами? Увы, на эти вопросы, уже никто уже не ответит. Девочка как будто спешила выполнить одной ей известную миссию и, завершив её, ушла из жизни. Смотрите также фильм о Наде Рушевой «Тебя, как первую любовь...»
Опубликовано: 30 янв. 2017 г. Уникальные кадры – юная художница Надя Рушева незадолго до своей неожиданного ухода в 17 лет. Кроме рисунков Нади и кадров её работы над ними, в фильме можно увидеть дом-музей А.С.Пушкина на Мойке, 12 таким, каким он был до реставрации. Иллюстрации Нади Рушевой к произведениям поэта («Евгений Онегин», «Арап Петра Великого», «Пиковая дама» и др.). Рисунки, посвященные различным событиям из его жизни («Лучший поэт лицея», «Пушкин и Анна Керн» и др.), его друзьям и близким («Пушкин у семейного очага»)
24 сен 2017 в 15:43 Артур Пинаджян (англ. Arthur Pinajian; 1914—1999) — американский художник армянского происхождения, иллюстратор и автор комиксов. Через 8 лет после смерти, когда на чердаке его дома было обнаружено около 3000 картин, Пинаджян был записан в представители абстрактного экспрессионизма. В марте 2013 года практически все мировые СМИ сообщили об удивительном событии – на чердаке гаража в пригороде Нью-Джерси были обнаружены картины некоего художника, оцененные в 30 млн долларов, которые чудом удалось спасти.
Оказалось , что это были работы художника Артура Пинаджяна – американца армянского происхождения. Искусствоведы по всему миру до сих пор говорят, что произошло чудо, так как картины такого уровня могли так и остаться неизвестными миру. После смерти автора, его работы были оценены в сумму более 30 млн долларов. Уже сейчас многие картины из коллекции Пинаджяна приобрели частные коллекционеры, а шесть его работ нашли свое место в музеях и галереях.
Артур Пинаджян родился 28 марта 1914 года в одной из общин Нью-Джерси, население которой, составляли преимущественно этнические армяне. Его родители бежали из Диарбекира в Османской империи во время Первой мировой войны, незадолго до резни армянского населения 1915 года.
Первоначально Пинаджян работал на фирме по производству ковров. В 1930-е годы Пинаджян дебютировал в качестве иллюстратора комиксов и получил известность как создатель «первого супергероя-кроссдрессера» в серии комиксов «Мадам Фаталь». В 1932 году, сохраняя при этом свою работу на фирме по производству ковров, Пинаджян был нанят в качестве внештатного карикатуриста репортера-иллюстратора «New York Daily News». Художник участвовал во Второй мировой войне, получив Бронзовую звезду за доблесть. После Второй мировой войны он отошёл от коммерческого искусства, и занялся живописью. Рисовал Артур Пинаджян до самой смерти – 85 лет.
Многомиллионную находку на чердаке гаража обнаружил некий Томас Шульц, который приобрел коттедж вместе с гаражом по соседству. Предыдущий владелец дома рассказал Шульцу, что хотел избавиться от «мусора» на чердаке, но все не находил для этого времени. Он попросил это сделать Шульца. Но когда последний взялся выносить картины в мусорный бак, то просто был ошеломлен. «Я держал в руках эти произведения и думал, как можно их выбросить?»,-рассказывает Томас. Новый владелец решил, что картины нужно обязательно показать специалисту. И он не ошибся: работыПинаджяна были признаны шедеврами. Американские искусствоведы назвали это событие как самое большое открытие в американской истории искусств 20-ого века.
Почему художник не показывал свои работы, никому не известно. Те, кто был знаком с ним , говорят, что он был закрытым человеком, никогда не гнался за материальным благополучием и рисовал для души. Перед самой смертью он попросил свою сестру уничтожить все его работы, но та , к счастью этого не сделала. После ее смерти , дом был выставлен на продажу, так как наследников у Пинаджянов не было.
"Мазня", ставшая шедевром: 100 лет галерее Der Sturm
Юбилеи бывают разные. Ко многим мы уже привыкли. Но чтобы отмечали юбилей авангардистской художественной галереи, - такое, согласитесь, встречается нечасто. Франц Марк. ''Стойла'' (1913) Сто лет назад, весной 1912 года, немецкий писатель Херварт Вальден (Herwarth Walden), чей журнал Der Sturm уже был широко известен в авангардистских кругах, решил открыть галерею с тем же названием. Она сыграла огромную роль в популяризации экспрессионизма и других модернистских направлений искусства. В галерее выставлялись Шагал и Кандинский, Франц Марк и Пауль Клее, Оскар Кокошка и Робер Делоне... До начала 30-х годов она была духовным центром не только Берлина и Германии, но и всей Европы... Сейчас Музей фон дер Хейдта в городе Вуппертале представляет экспозицию, посвященную столетию галереи Der Sturm.
Отправлено: 24.01.19 21:19. Заголовок: Где искать Пиросмани..
Где искать Пиросмани в Грузии
100-летие со дня смерти Нико Пиросмани, отмечали в Грузии в 2018-ом году, — хороший повод, чтобы обратить внимание на проблемы мемориальных музеев художника в Тбилиси и в селе Мирзаани
ЮЛИЯ ВИНОГРАДОВА 06 ИЮНЯ 2017 Нико Пиросмани. «Девочка с воздушным шаром». Музей искусств Грузии, Тбилиси
В 2018 году Грузия будет отмечать 100-летие со дня смерти художника Нико Пиросмани. Художник умер в одной из тбилисских больниц и был погребен на Кукийском кладбище Святой Нины в общей могиле для бедняков и бездомных. Точной записи об этом не сохранилось, но условной датой его ухода считают 5 мая. На протяжении следующего года, конечно, неоднократно вспомнят и трагедию его жизни, но основное внимание будет сосредоточено на произведениях художника.
Большая часть работ Нико Пиросмани находится в Национальном музее искусств Грузии в Тбилиси, в Государственной Третьяковской галерее и Государственном музее искусства народов Востока в Москве. Можно их увидеть и в собраниях Государственного Русского музея, Московского музея современного искусства, в музее города Сигнахи. Однако есть небольшая коллекция из 14 работ, изученных и опубликованных, которая занимает в этом списке особое место. Это собрание хранится в музее Пиросмани в его родном селе Мирзаани в грузинском регионе Кахетия в 130 км от Тбилиси. Музей был основан в 1963 году — к тому времени имя Пиросмани уже вызывало большой интерес как исследователей, так и публики, а через шесть лет прошла выставка в Париже, которая принесла художнику мировую известность. Музей Пиросмани объединяет два дома, две главные вехи в жизни художника: место его рождения в Мирзаани и последний приют в Тбилиси.
Интерьер комнаты в Государственном музее Нико Пиросманишвили в селе Мирзаани
Сейчас эта улица носит имя Пиросмани, но до 1938 года она называлась Молоканской. Дом 29, где жил Пиросмани в 1917–1918 годах, до сих пор сохранил свой номер. Трехэтажное здание XIX века, большой внутренний двор с деревянными балконами, развешанным бельем, деревьями — такие дворы в Тбилиси называют итальянскими. Мемориальная доска на доме называет Пиросманишвили «видным художником Грузии». А рядом с доской — закрытый сеткой вход в подвал, где почти век назад художник с трудом сводил концы с концами. Правда, в больницу, где он умер, его увезли из другого подполья, расположенного в том же дворе, но оно до сих пор находится в частных руках и закрыто. А мемориальный подвал площадью всего шесть квадратных метров стал частью экспозиции музея Пиросмани. Кроме того, музей включает небольшой выставочный зал, где висят репродукции работ Пиросмани и проходят выставки современных художников. Подлинники хранить здесь возможности нет: помещение крохотное и не отвечает требованиям безопасности.
Экспозиция подвала составлена из вещей начала XX века, привезенных из Кахетии, но к самому Пиросмани не относящихся: кушетка, стол со стульями, бадьи, самовар. На стене висит копия одной из трех сохранившихся фотографий Пиросмани, снятая в 1880-е годы — своеобразное напоминание о времени больших надежд. Рядом на мольберте — копия «Актрисы Маргариты» (подлинник хранится в Национальном музее Грузии). Кирилл Зданевич датирует картину 1909 годом, то есть за восемь лет до смерти художника. Пиросмани — один из самых романтизированных героев истории искусства, и музей отчасти поддерживает эту легенду. Хотя исследователи и не находят доказательств того, что именно любовь к заезжей француженке привела Пиросмани к разорению, одиночеству и нищенской гибели, без воспоминаний о ней не может обойтись даже такая маленькая экспозиция.
В молодости другой мастер «грузинского авангарда», Ладо Гудиашвили несколько раз встречался с Нико Пиросмани в Тифлисе и позже записал в своих воспоминаниях: «Пиросмани жил в чулане под лестницей. Мне запомнились сложенные в углу инструменты: ведро, кисти, краски, клеенка». Гудиашвили оставил два небольших наброска подвала и карандашный портрет самого художника. Эти и еще несколько графических листов Гудиашвили, изображающих старый Тифлис, входят в собрание Музея Пиросмани в Мирзаани.
Тбилисский музей Пиросмани расположен недалеко от железнодорожного вокзала в окружении ларьков, торговцев, попрошаек. В этом смысле сегодняшний городской пейзаж выглядит вполне адекватно тому, что ежедневно видел сам художник. Этот, относительно новый район города называется Чугурети. Он был застроен только в XIX веке, а в начале ХХ столетия стал кварталом «маленьких людей». И век назад здесь все было утыкано кабаками и лавками. Сегодня близкий к туристическому центру район находится в плачевном состоянии. Как рассказала куратор музея Нино Бахуташвили, в мэрии Тбилиси существуют планы реконструкции квартала. В первую очередь она, конечно, коснется дома Пиросмани и окружающих объектов (в непосредственной близости от дома располагались духаны, где художник жил и работал в последние годы). Но, как скоро это случится, пока неизвестно.
Дом художника. Государственный музей Нико Пиросманишвили в селе Мирзаани
Мирзаани. Дом, который построил Нико
Живописное село Мирзаани, где Пиросмани родился и провел первые годы своей жизни, расположено в Кахетии, на холме над Алазанской долиной. Дорога плутает по старым деревням, по своему духу мало изменившимся за сотню лет: тянутся заборы и покосившиеся сараи, гуляют коровы, у дороги на лавочках сидят за разговорами пожилые мужчины. На подъезде к музею стоит памятник — Пиросмани верхом на олене, изображенном на одной из его знаменитых картин из Национального музея Грузии. Памятник подарил музею скульптор Важа Микаберидзе.
Музей состоит из двух основных объектов: выставочного зала и мемориального дома. Дом построил сам Нико Пиросмани в 1898 году для своей сестры Пепуцы, у которой было десять детей и материальное положение еще хуже, чем у брата. К тому времени ему удалось скопить некоторую сумму благодаря работе на железной дороге и торговле молочными продуктами. Как рассказала многолетняя смотрительница дома Нино Багашвили, это был первый в селе каменный дом. Кровельное железо Пиросмани привез из Тифлиса — в деревне такая крыша казалась удивительной. Дом был выкуплен государством в 1960 году, но семья еще долгое время жила в нем, пока не получила новое жилье. На фотографиях 1970-х годов дом еще жилой, окружен плодовыми деревьями и обычным деревенским забором. Дом построен из кирпича и состоит всего из одной комнаты и большого подполья. Восстановлен традиционный интерьер XIX века: встроенный шкаф ганджина, тахта, глиняная посуда, котелок на треножнике, детская люлька. Из мемориальных вещей остались только большой окованный сундук, который Пиросмани привез из Тбилиси, ковер, сотканный его матерью, и старая швейная машинка сестры. На мольберте — копия «Девочки с шариком» из Национального музея Грузии, ассоциативно напоминающая и о сестре, и о детстве самого художника.
Несколько раз здание подвергалось реставрации — последняя была проведена в 2012 году, когда обновили кровлю, террасу, полы. Тогда Всемирный банк предварительно согласился финансировать развитие всего музея, но затем по неизвестной причине вычеркнул его из списка своих объектов. Реставрацию здания провели на государственные средства. Были решены проблемы с подачей в музей электроэнергии, воды и газа, но дальше этого дело пока не пошло. Как отмечает куратор Нино Бахуташвили, музею принадлежит 10 га и этот участок никак не используется. В планах — посадить собственный виноградник и устроить винный погреб, построить гостиницу. Дом, в котором родился Пиросмани, не сохранился, но в деревне есть еще дом его родственников, который музей также мечтает сделать своим объектом и разместить там этнографическую коллекцию. «Мы хотели бы создать целый музейный комплекс, который привлекал бы туристов и был бы посвящен и судьбе Пиросмани, и жизни традиционной деревни», — говорит куратор.
Однако спонсоров у музея нет, финансирование идет только из государственного бюджета. Музею не хватает хорошей рекламы, у него нет даже своего сайта, так что случайные туристы здесь редкость. Несмотря на то что музей расположен всего в 7 км от популярного, свежеотреставрированного городка Сигнахи, экскурсионные автобусы сюда не заезжают. В год музей посещают всего 4,5 тыс. человек.
Нико Пиросмани. «Пир молокан». 1905. Государственный музей Нико Пиросманишвили
Стол с самоваром
Здание выставочного зала было построено в 1979 году — сегодня его несколько хмурая архитектура смотрится чужеродно среди деревенской зелени. Однако помещение обеспечивает условия хранения и безопасности, правда, как отмечает куратор, требует реконструкции хранилище. Основа коллекции музея — 14 работ Пиросмани. Как рассказала главный хранитель фонда музея Ламара Узунашвили, большая их часть была передана сюда из частных собраний. Несколько работ принадлежали братьям Зданевичам, другие поступили в музей от писателя Акакия Белиашвили, филолога Иосифа Мегрелидзе, московских коллекционеров Татьяны Александровой и Игоря Попова. Одну из работ лично передал в музей в 1996 году Эдуард Шеварднадзе.
Несмотря на то что собрание совсем небольшое, в нем представлены почти все характерные для творчества Пиросмани темы. Здесь есть вывеска из духана, натюрморт, несколько женских образов («Лежащая грузинка» и «Женщина с пасхальными яйцами»), мужской портрет муши, гуляния («Кутеж молокан»), тема животных («Медведица с медвежатами») и любимые Пиросмани и неоднократно им написанные «Царица Тамара» и «Шота Руставели». Навеяна воспоминаниями о деревенской жизни работа «На гумне. Вечер». Еще одна картина — «Сона играет на гармони» — и вовсе мемориальная: она написана здесь же, в Мирзаани, после праздника в честь завершения строительства дома Пиросмани. За последние пять лет несколько работ из коллекции были отреставрированы в мастерских Национального музея Грузии, остальные находятся в хорошем состоянии сохранности.
Всего же собрание насчитывает 11 тыс. единиц хранения: это живопись грузинских художников, посвященная Пиросмани, работы современных мастеров, созданные, в частности, на живописном семинаре, который проходил в Мирзаани в 2016 году, целая коллекция детских рисунков. Есть в музее и портрет Нико Пиросмани, сделанный Пабло Пикассо в 1972 году, один из последних его офортов. Испанский мастер не был знаком с грузинским примитивистом, но восхищался его творчеством и судьбой. В собрании музея сохранилось и личное дело Нико Пиросманишвили, которое охватывает 1890–1894 годы, когда он работал на Закавказской железной дороге. А вот письма сестре не уцелели. Считается, что она сожгла их сама, испугавшись нарастающего интереса к судьбе брата.
В центральном зале музея в окружении работ Пиросмани стоит круглый обеденный стол начала XX века с самоваром и чашками. Такого стола у Пиросмани никогда не было, но Кирилл Зданевич в своей книге, посвященной жизни художника, вспоминает его слова: «Посередине города, чтобы всем было близко, нам нужно построить большой деревянный дом, где мы могли бы собираться; купим большой стол, большой самовар, будем пить чай, много пить, говорить о живописи и об искусстве».
Сегодня имя и творчество Пиросмани объединяют не только Грузию и Россию, где хранятся его работы и ведутся исследования, но и другие страны, считающие художника частью общеевропейского модернизма. Возможно, благодаря этому юбилейный год позволит музею Нико Пиросмани найти средства на свое развитие и изучение наследия мастера.
Отправлено: 04.06.19 10:45. Заголовок: Сейчас в Москве, в ..
Сейчас в Москве, в Третьяковке, проходит грандиозная выставка ярчайшего импрессиониста прошлого столетия Эдварда Мунка, автора самой дорогой картины в мире "КРИК".
Эдвард Мунк и русская культура Лекция Андрея Дьяченко
Когда Пикассо исполнилось 10 лет семья перебралась на север Испании, в Ла-Корунью, где отец стал все чаще привлекать сына к росписи интерьеров и где в дальнейшем юный художник обучался в местной школе искусств.
В возрасте 13 лет Пабло с семьей вновь переезжают, на этот раз в Барселону, где отец художника, вдохновленный творческими способностями сына, настаивает на поступлении сына в школу изящных искусств Ла-Лонха, несмотря на то, что юный гений еще не достиг необходимого для зачисления возраста. Но при поступлении, Пабло буквально обескураживает своим талантом приемную комиссию, с легкостью справляясь с экзаменационной работой и немедленно получает приглашение на дальнейшее обучение. Именно в Ла-Лонхе юный мастер начинает подписывать свои работы фамилий по матери - Пикассо, в то время как до этого он указывал на них имя отца - Руис Бласко.
В 1897 году, в возрасте 16 лет, Пабло переезжает в Мадрид, где поступает в самую престижную на тот момент из профильных школ в Испании - Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. В Мадриде Пабло пробыл менее года, где основное время потратил не на обучение классическим основам ремесла, которое казалось ему неимоверно скучным и в котором ему было крайне тесно, как он считал, а на ознакомление с творчеством впечатливших его художников - Франсиско Гойи, Диего Веласкеса, Эль Греко, работы которых в основном были представлены в Музее Прадо. Продолжение тут: https://risunok.online/pablo_picasso?yclid=5675314249233112226
Отправлено: 06.03.20 23:03. Заголовок: Этот дневник - книга..
Дневник-книга художника Анатолия Дмитриева
Этот дневник - книга художника Анатолия Дмитриева о том, как развивалось неформальное искусство в СССР, в Ленинграде в конце 80-х годов. Книга "Русские сезоны в Стокгольме" была написана после трех поездок группы ленинградских художников в Стокгольм с выставками.
Этот дневник - память, к сожалению, книга не была опубликована при жизни художника, существует пока только в машинописном варианте, надеюсь, те, кто будет читать этот дневник, смогут многое узнать и понять о жизни творческих людей того времени. Я надеюсь, что это произведение найдет своих читателей, жду ваших мыслей и коментариев Иван Дмитриев (Анатолий Дмитриев, русский художник-абстракционист, родился в Ленинграде в 1955г. После окончания СПбГТУ (тогда ещё ЛЭТИ) поступает в Академию художеств им. Репина. Там знакомится с Виктором Андреевым. ... - Анатолия Дмитриева, автора трактата «Русские сезоны в Стокгольме» и Виктора Андреева.
Василий Истратов – Основатель Русских сезонов в Стокгольме, бизнесмен, коллекционер, поэт и художник. Виктор Андреев – Художник – абстракционист. Анатолий Дмитриев – автор и издатель трактатов: «3-я Концессия», «Опыт реабелитации абстракционизма ми апологии его исключительности», «Русские сезоны в Стокгольме», художник – абстракционист. Евгений Орлов – Художник. Ученик и последователь Н.К. Рериха. Валентин Афанасьев - Скрипач, художник-абстракционист. Последователь Маха Авенариуса. Евгений Марышев – Скульптор, член Союза художников. Художник- «Экзистенциалист». Вячеслав Шмагин – Художник. Владимир Брылин – Художник – «конструктивист», коллекционер и поэт. Глеб Богомолов – Художник – абстракционист, признанный лидер движения. Валентин Савченко (Савчеко) – Художник , поэт, фотограф. Создатель «Сенс-арта». Владимир Лисунов – Художник «Первой волны». Сергей Ковальский – Лидер ТЭИИ, Основатель Пушкинской, 10. Художник, коллекционер и историк движения. Юрий Гуров - Художник, скульптор. Сергей Лозин - Художник. Геннадий Гарвард – Художник Святослав Чернобай – Художник, поэт, сказочник. Виталий Титов - Художник. Игорь Орлов – Художник , брат Евгения. Александр Игнатьев – Фотограф Евгений Гербольдт, Папа Саша – Соседи Анатолия по дому. Яна Волковская – Девушка, по образованию искусствовед. Галина Крон - бизнесмен. Коллекционер и дама в искусстве. Эрик Паульсон – Хозяин галереи «Модерн Арт», Стокгольм. Гётте Терсеус - «Хозяин галереи «Терсеус», Сткгольм. Дина Бродская - Хозяйка галереи «Нарва», Стокгольм. Алин Гоген - Искусствовед, правнучка Поля Гогена. Буссе Сандерберг – Художник – любитель, потомок викингов.
А также: Русские, шведы, мужчины и женщины, люди, не равнодушные к искусству, телемастер, милиционер, бандиты, таможенники…и пр.
19:04 Хронология Русских Сезонов. Сороковой раз я вижу за окном пожелтевшие от холода и ветра деревья. И уже в тридцатый, наверное, мне вспоминается Пушкин. Осень, словно, нарочно создана для раздумий и подведения итогов. Осенняя пора… Болдинская осень….Средняя полоса России занята преимущественно лиственными породами деревьев… само слово «дерево», надо полагать, происходит от глагола «драть», в смысле выдирать. Драга это то, что дерёт, а по-шведски «драга» - дерево, а предлог «по» - так и будет «по» … Уяснение связи столь различных явлений создаёт ощущение открытия, заявление о котором, надо думать, произведёт впечатления безумия… Тягаться с Пушкиным, этим титаном, тяжестью своего монумента придавившим Родную литературу мне вряд ли под силу. Я хочу лишь попытаться упорядочить события, имевшие место не столь давно, но уже стёршиеся или преобразившиеся до неузнаваемости в сознании прямых их участников. Память капризна, а сознание пересоздаёт прошлое. Хронологию Русских сезонов уже сейчас восстановить достаточно трудно. Моя память на даты всегда была никудышной, а стало быть способности к воссозданию хронологии у меня нет никакой, но , тем не менее, именно мне придётся взять на себя эту задачу, поскольку остальные участники от неё отказались. Каждому из них, кому удалось пережить Русские сезоны в Стокгольме, запомнилось что-то своё, каждый вынес свой взгляд на происшедшие, поэтому я предвижу предстоящие разногласия в оценке Русских сезонов как культурного события и той роли, которую по-мнению каждого сыграл он сам и того, чем явили себя остальные. Таким образом, я нисколько не обольщаюсь, что моё исследование станет последним словом в данном вопросе., скорее – первым камнем в основании будущего грандиозного монумента во славу Русских сезонов в Стокгольме. Я отхожу от окна и больше не вижу деревьев, я забываю о них и о Пушкине – их вроде больше и нет, и нет доказательств, что они были кроме моей памяти и восьми томиков под слоем пыли на полке. Я уже на диване, уже почти задремал. Реальный мир меня окружающий стал не более реальным, чем неопределённое пространство памяти, в которое я погружаюсь. Вот я уже в глубине прошлого. Как в царстве теней возникают и исчезают люди меня окружавшие, проявляясь какой-то одной характерной чертой. Я вижу их лица, слышу их голоса, слышу крик чаек, -передо мной бурное серое море, - Балтика, разделившая и связавшая Восток с Западом. Петербург со Стогольмом.
Четверг, 04 января 2007 00:10 Начало Русских сезонов я субъективно отношу к состоявшейся в апреле 1988 года выставке «Аспекты абстракционизма» и предшествовавшей ей «Февральской организационной дискуссии». Ленинградский, ещё в ту пору, дворец молодёжи. Выставочный зал, завешанный одной только абстракцией. Наплыв заинтересованной публики. Телевидение – всё как полагается: ведущие Телекурьера, режиссер, камера «Бош», провода, о которые все спотыкаются. Репетиции: что говорить и как …Панорама…Крупные планы… И в результате вечером на телеэкране – мякина из слов и пятен, - с пятого на десятое , - к уяснению аспектов абстракционизма даже близко не подходящая. Выставка была первой и как теперь представляется – последней, представлявшей абстракционизм в реальном его положении. Она предлагала задуматься: либо абстракционизм – форма безумия, тихое помешательство, нашедшее своё предметное воплощение либо сама реальность, зрителя окружающая: живопись, дворец, зал, публика и её восприятие абстракционизма есть аспекты абсурда.
В то же самое время под впечатлением происходящего я создал «Опыт реабилитации абстракционизма и апологии его исключительности» - трактат на тему «организационной дискуссии», поскольку в её результате единого понимания абстракционизма достигнуто не было. Трактат включал в себя фотографии экспозиции и портреты художников. «Опыт» был издан мною собственноручно в пяти экземплярах, один из которых несмотря на содействие искусствоведа Воровского так и не был куплен Русским Музеем для отдела редкой книги и в нём находящегося. И деньги были, и было желание не отставать от современных событий в культуре и было заседание комиссии, но в результате победила нужда – решили купить канделябр. В ту пору ещё перестройка не коснулась сознания людей причастных к искусству своей профессией и общественным положением. Им казалось, что именно им перестраивать нечего – их задача сохранить свою вотчину. Они штукатурили стену отделявшую их мир от мира реального, в котором мы что-то пытались и рассудительно ждали пока одно всплывёт , а другое осядет. Тогда можно будет спокойно разложить всё по полочкам и в полном самосознании своей роли в искусстве объяснить профанам , что ценно , что нет. Полагаю «музей» в их представлении был чем –то неоднозначным и сложным, допускаю – узловым моментом культуры, но в аспекте «настоящего» это очень походило на кладбище. Второй экземпляр я подарил Владимиру Брылину активному участнику означенной выставки. Брылин – эмигрант по настроению души. Из Челябинска в Ленинград он приехал для того, чтобы работать здесь дворником., но быть ближе к Западу, где только и могли понять его как художника. Скалывая лёд на набережной Красного флота, он терпел унижение, холод и голод, но его согревала мечта , быть художником - означало уехать отсюда – туда, где уважают художника, где ему есть место жить, творить и наконец – умереть. Главным его препятствием к мучавшей его жажде эмиграции была страсть собирательства – книги, рисунки картины пластинки – всё это было перевезено по частям из Челябинска, но дальнейшая перевозка на запад вырастала в проблему. Страшно подумать и поэтому я только предполагаю – Брылин никогда не мыслил себя как художника – в нём жил азарт коллекционера или лучше сказать – владельца «Музея себя самого» - Художника Владимира Брылина! Экземпляр моего трактата был принят им без комментариев к его содержанию и , надо думать, был тут же внесён в каталог. Третий экземпляр был с уважением преподнесён Глебу Богомолову, который сыграл роль «отца» в организации выставки. Его картины стали доминантой «Аспектов абстракционизма», и если отыскать по прошествии времени тогдашнего зрителя и если предположить, что он в здравом уме, то первым он вспомнит - вряд ли я ошибусь, - Богомолова! Трактат Глебу понравился – подозреваю, что он его даже и не пытался читать – иллюстрации давлели над текстом, рассуждения были не столь убедительны, но всё же Глеб был единственным кто оценил мой труд по-достоинству и до сих пор помнит о нём. По сей день, я надеюсь, мой «Опыт» храниться у него в Красном углу. Четвёртый экземпляр куда-то пропал – зачитали читатели, - что делать, писателю остаётся уповать и надеется, что хоть кто-то, что-то поймёт. Пятый был подарен активному участнику выставки, единственному кто мог соответствовать Глебу по формату и числу представленных на обозрение картин – Андрееву Виктору- моему близкому другу, потом правда, был отобран обратно, поскольку Виктор по сути «Опыта» ничего не сказал и мне стало обидно. Его я по сей день храню у себя и постоянно стараюсь всучить почитать хоть кому-то. Читали, читают, но перечитывать не хотят! «Опыт» прежде всего стал событием для меня самого. Я сделал усилие , собрал свои мысли и написал о том, что несколько лет меня занимало - как мог изъяснил своё понимание абстрактного искусства и его места в культуре. Реакция на мой труд так же событием для меня, заслуживающим отдельного осмысления может быть даже в форме трактата. До сих пор с неиссякаемым интересом я слежу за впечатлением, которое он вызывает, даже если нет ни реакции, ни впечатления. Первой реакцией было неподдельное удивительное удивление - книжку крутили в руках, листали картинки, я тем временем млел, моя имитация книги имела успех, никто не предполагал, что это возможно… В руках овеществилась история, это говорило само за себя. Забылось то, что ещё во время организационной дискуссии я предлагал скинувшись сделать альбом с портретами участников и репродукциями лучших картин, этого никто не воспринял всерьёз, хотя для портрета позировали с удовольствием. Важный момент: у художника к книге совершенно особое отношение, можно сказать - оно интимно – поверхностно! Книга воспринимается целиком во впечатлении, которое она производит: вес, глянец обложки, качество печати, одним словом, солидность. Она должна быть убедительной в факте своего бытия. Так уж воспитаны. «Подполье», «неофициоз» - это только слова, жизнь строилась на предмете аналогов из совершенно иного, которые просеивались как золото по крупицам из доступных нам книг. Незнание языков восполнялось наитием, книга не читалась, она прозревалась внутренним зрением. Вдохновенный сей стоицизм стоил денег. Покупка альбома Хуана Миро превращалась в событие, праздновавшееся коллективно и долго. Сколько ночей проорали на кухне вокруг Золотого Альбома Дали! Солидный Альбом посвящённый художнику мыслился как точка его биографии, которую легко превратить в запятую. Апофеозом мечтаний было держать в руках альбом «себя самого» - это было равносильно признанию, предметному воплощению признания – миссия самовыражения воплотилась, страдания, беспокойство представлялись уже позади, книга давала право на отдых. С нею можно лечь в гроб со спокойной душой. В такой примерно плоскости восприятия оказался мой «Опыт». Первое удивление быстро сменилось на недовольство – картинки в трактате были у меня не цветные, а чёрно-белый вариант художника устроить не мог. См текст трактата от него ускользнул . Читать? О проблеме абстракционизма? Участникам вполне хватило организационной дискуссии результатом которой можно считать тот факт, что во всём Ленинграде не набралось и десяти человек всерьёз занятых этой проблемой. Выставка – дело иное, для художника это «час высокого ДО»! Она имела успех. Книга отзывов была исписана от корки до корки и куда-то пропала. Участников не оставляло ощущение праздника, казалось что-то тронулось и первая точка всеобщего замерзания была позади. Сознание «Возможности» - чего-то пока что совершенно неопределённого , но чего-то совершенного и нового нас окрыляло. Тогда-то на сцене и появился Василий Истратов…
Отправлено: 14.06.20 20:29. Заголовок: История болезни Вин..
История болезни Винсента Ван Гога
Зубы Проблемы с зубами начались у Винсента в тот период, когда он отправился нести слово Божье шахтерам и крестьянам в поселке Боринаж. Проникнувшись тяжелой судьбой своих подопечных, будущий художник начал отдавать им почти всю свою еду. Такая вынужденная «диета» сказалась на его здоровье не лучшим образом: Винсент стал стремительно терять зубы. Вполне вероятно, что из-за недостатка витаминов и других питательных веществ у Ван Гога началась цинга.
Следующее обострение случилось, когда Винсент жил в Антверпене. Он провел здесь около трех месяцев, и за это время только шесть-семь раз ел горячую пищу. Питался художник в основном хлебом и кофе и очень много курил, чтобы приглушить чувство голода. За эти месяцы Ван Гог буквально усох от недоедания, но продолжал практически все деньги тратить на холсты и краски. В начале 1886 года Винсент пишет брату, что сходил к зубному врачу, и тот удалил ему сразу 10 зубов. Конечно, в конце XIX века стоматология уже была достаточно развитой областью медицины, но на качественное лечение или, тем более, протезы у Ван Гога попросту не хватило бы денег.
С каждым годом художнику становилось все сложнее есть твердую пищу. К тому же, финансовые проблемы тоже оставались неизменными. К своим 37 годам Ван Гог растерял большую часть зубов и старался лишний раз не улыбаться.
Гаагская проститутка Син, одарившая Винсента не только своей любовью, но и венерическими болезнями.
Гонорея
Многочисленные связи Ван Гога с проститутками не могли рано или поздно не закончиться для него плачевно. Особенно учитывая то, что с одной проституткой он прожил около года, и за это время она несколько раз возвращалась к своей профессии. Летом 1882 года в одном из писем Тео Винсент рассказал, что подхватил от Син гонорею, и описал, как его лечили. В частности, он писал о том, что ему в мочевой пузырь вставили катетер.
К сожалению, художник имел несчастье появиться на свет не в самое лучшее время для того, чтобы сохранить здоровье или хотя бы получить качественное лечение. Что касается гонореи, то ее долгое время даже не признавали отдельной болезнью, а считали лишь одним из проявлений сифилиса. Ситуация изменилась только в 30-х годах XIX века, а возбудитель гонореи — гонококк — и вовсе был выявлен лишь в 1879 году. И даже после этого гонорею толком не лечили, ограничиваясь лишь промываниями пораженных областей, вплоть до появления антибиотиков в 30-е годы ХХ века. Так что по сути Винсенту приходилось терпеть все малоприятные процедуры без особого прока.
Винсент Ван Гог. Автопортрет с перевязанным ухом
Сифилис
Неизвестно точно, когда именно Ван Гог заразился сифилисом. Вероятнее всего, это произошло в 1881—1882 годах (и, скорее всего, «французской болезнью» его тоже наградила Син), поскольку до этого он связывал свою жизнь с религией, что подразумевало смирение и воздержание. Впрочем, не исключено, что Винсент имел связи с проститутками еще в Лондоне. В конце концов, в XIX веке сифилис был настолько распространенной болезнью во всей Европе, что можно было говорить об эпидемии. По некоторым данным, в то время им были заражены около 15% европейского населения. А вот средства защиты от венерических заболеваний получили широкое распространение гораздо позже. Поэтому сифилисом болели многие, и этого мало кто стыдился.
И снова остается только посочувствовать художнику, которому «посчастливилось» заразиться сифилисом в то время, когда его лечили ртутью, мышьяком и йодом. Лекарственные средства на основе ртути использовались для лечения этой болезни на протяжении 450 лет. Они были не слишком эффективными, да к тому же еще и высокотоксичными. По некоторым данным, «ртутные ванны» стали причиной смерти около 80% больных, которых лечили этим способом.
Самой же главной опасностью сифилиса был отнюдь не пресловутый «отвалившийся нос», а безумие, которое поражало больных на поздних стадиях. По мнению некоторых исследователей, именно нейросифилис был причиной приступов Винсента. Во время первого такого зафиксированного припадка художник и отрезал себе часть уха. А сделать это он смог безболезненно, опять-таки, «благодаря» сифилису, из-за которого у Ван Гога атрофировались нервные окончания в ушах. Винсент Ван Гог. Натюрморт с абсентом
Алкоголизм
Переехав в 1886 году в Париж к брату, Винсент ударился в разгульную жизнь. Вечера он проводил в ресторанчиках, кабаре и публичных домах, и Тео часто составлял ему компанию. Несмотря на плачевное финансовое положение, Ван Гог всегда находил деньги на абсент и вино. А если их не было, обязательно находился кто-нибудь, кто был готов его угостить и поддержать беседу или спор о живописи. По крайней мере до того момента, пока Винсент в этих спорах не начинал переходить всякие границы. А такое с ним случалось часто, особенно под воздействием алкоголя.
Ван Гог пил действительно много. Он не отказывался даже от самого дешевого вина, хотя любимым напитком художника все же был абсент. Есть мнение, что некоторые картины были написаны Винсентом под влиянием галлюцинаций, вызванных «зеленой феей». В Арле абсента, по всей видимости, было не достать, поэтому Ван Гогу приходилось довольствоваться вином, причем чаще всего — самого низкого качества. Он мог голодать по несколько дней, однако деньги на краски, холсты и алкоголь Винсент находил всегда.
Из-за чрезмерных возлияний и прогрессирующего сифилиса художник стал импотентом. Он признался в этом Тео в одном из писем, написанных в Арле в 1888 году. Тем не менее, своей любви к борделям Винсент не утратил, а любвеобильность его, кажется, только росла, порой принимая маниакальные формы.
Доктор Феликс Рей, практикант в арльском госпитале, который помогал Винсенту справляться с приступами. Этот портрет, написанный Ван Гогом ему в благодарность, долгое время прикрывал дыру в курятнике.
Портрет доктора Гаше (вариант)
Доктор Поль Фердинанд Гаше, который присматривал за художником в Овере. Назвать его лечащим врачом вряд ли можно, поскольку Гаше скорее заботился о том, чтобы Винсент побольше рисовал, а не о его психическом здоровье. В одном из последних писем Ван Гог пишет Тео: «Я думаю, мы никоим образом не можем рассчитывать на доктора Гаше. Во-первых, он болен еще сильнее, чем я, или, скажем, так же, как я. А когда слепой ведет слепого, разве они оба не упадут в яму?»
Эпилепсия
24 декабря 1888 года, на следующий день после первого приступа, во время которого, как считается, Ван Гог отрезал себе мочку уха, его перевезли в психиатрическую лечебницу. Здесь приступ повторился, и Винсент вел себя так агрессивно, что его поместили в палату для буйных. Художнику скоропалительно был поставлен диагноз «эпилепсия височных долей». В дальнейшем его лечили именно от этой болезни, хотя существует множество мнений и гипотез относительно того, чем в действительности вызывались эти приступы: от биполярного расстройства до порфирии.
Впрочем, нельзя сказать, что диагноз был поставлен Ван Гогу безосновательно. Вопреки распространенному мнению, эпилепсия — это не только «падучая» с судорожными припадками и пеной изо рта. Эпилепсия — это еще и расстройства сознания, слабоумие и психозы, которые могут проявляться в самых разных формах, в том числе в виде страха, агрессивности, тоски, бреда и галлюцинаций. Если исходить из этого, то диагноз, поставленный Винсенту, уже не кажется таким фантастическим.
Конечно, диагностика заболеваний, в том числе и психических, в конце XIX века оставляла желать лучшего. Но даже если бы тогда Винсенту был поставлен правильный диагноз (к примеру, биполярное расстройство), средств для качественного лечения просто не было. Даже диагностированную эпилепсию лечили по большей части теплыми ваннами и предписанием соблюдать покой. И если на первое Ван Гог еще был готов, то второе было ему категорически не по душе. Винсент привык доводить себя работой до изнеможения, постоянно пребывая в нервном возбуждении. А это вызывало лишь новые и новые приступы. Но, как бы то ни было, многие из своих лучших полотен Винсент создал именно в «безумный» период.
Хорди Фелиу - испанский художник смешанной техники
Жорди Фелиу (1952 г.р.) родился в Барселоне, окончил политехнический университет Каталонии, получил степень бакалавра и магистра в области изобразительного искусства в колледже искусств и дизайна. Фелиу - художник экспериментатор. Он ищет свои пути, смешивая стили, использует экспрессионистическую палитру при создании лаконичных сюжетов. Одни из основных его мотивов - одинокая лодка в море, цветы, покрытые инеем, букеты, едва угадывающиеся в импрессионистическом смешении красок. Фелиу преподавал в различных художественных школах. Сейчас он экспериментирует с акрилом и энкаустической техникой. Живет в Бразилии.
Все даты в формате GMT
3 час. Хитов сегодня: 30
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация откл, правка нет
Отправлено: 14.06.20 20:29. Заголовок: История болезни Вин..
Франц Марк. ''Стойла'' (1913) 
- участник сейчас на форуме